El festival arrancará con una doble sesión en los Cines Trueba, con el estreno en España de la película de Skateistan The Movie. 4 ruedas y una tabla en Kabul

Para + info del resto de actividades y películas del festival, visita su página web.

Tienes toda la información en la página del festival de cortos No Es Largo Todo Lo Que Reluce, con el programa de cortos. Las entrada para las tres primeras sesiones cuestan unos simbólicos 2€, y la clausura, 4€. Arrancan a las 11:30 de la mañana.

Página de Facebook del festival.

Desde el 4 de abril y hasta el 4 de mayo se celebrará esta nueva edición, de la que ya se conocen los filmes participantes, todos ellos, sin estreno comercial en España. Se da la circunstancia de que, además, existen un buen número de cintas con la música como protagonista por diversos motivos. Algunos de ellos son The Swell Season (continuación Once), Submarine (una deliciosa comedia romántica con música de Alex Turner de Arctic Monkeys) y Harris Haare, que se centra en la historia de cinco jóvenes austriacos y sus aventuras para hacer realidad su sueño: alcanzar éxito con su banda.

www.youtube.com/watch?v=f0XbvHgByww

Además, también hay diversas películas con bandas sonoras compuestas por nombres ilustres de panorama alternativo, como Unmade Beds, con música de Tindersticks, y Dragonslayer, film documental centrado en la vida del skater Josh Skreech Sandoval, distribuido por Drag City, que cuenta con un soundtrack en el que hay sitio para bandas como Best Coast, Thee Oh Sees o Real Estate.

www.youtube.com/watch?v=5MyD_VM0O7E

Puedes adquirir el abono para ver todos los filmes del festival al precio de 15 euros. Todas las películas se podrán ver en a través de ordenadores PC y Mac, iPhone, iPad, terminales móviles con Android y PlayStation 3.

Nos muestra con ello su ser cotidiano y la evolución desde el 2004 con su autoeditado El sur de mi vida, luego ya llegaron Mundo marino (2008)y  Tú nunca morirás (2009).

Pronto os daremos más noticias sobre el documental y dónde poder verlo.

El vídeo se grabó en Andoain en Estudios Garate, se editó en Londres y etalonó en Barcelona. Y para la realización del mismo contaron con:

• Dirección/Montaje: Manu Sainz de los Terreros
• Dirección de Fotografía: Pablo Nieto
• Producción/Arte: Jaime Dezcallar
• Grabación de Audio: Estudios Garate, Andoain
• Mezcla & Diseño Gráfico: Olivier Arson

www.youtube.com/watch?v=UHI9vB1E1EA

Monopatín

La gente de 40sk8 junto al filmer Pedro Temboury nos traerán a lo largo de este año el documental en el que habla gente como el Doc Caribbean, comentando las modalidades de los 70, los tipos de tablas…

El próximo 1 de abril regresa a la parrilla de la televisión estadounidense ‘Juego de tronos‘, una de las mejores series que se han creado en los últimos años. Si aún alguien no lo sabe, se trata de la adaptación de la saga literaria ‘Canción de hielo y fuego‘, un fenómeno fantástico-medieval a la altura de ‘El señor de los anillos’ que escribe George R.R. Martin. El año pasado, el primero de los 5 tomos que conforman la saga, ‘Juego de tronos’, saltó a la pequeña pantalla con gran éxito de audiencia, y, lo que es más importante, con el logro de haber satisfecho incluso las expectativas más altas.

Ahora, el 1 de abril, se estrena la segunda temporada, que cubre los hechos recogidos en ‘Choque de reyes‘, y la expectación vuelve a ser muy alta.

Quien no haya visto la primera temporada o leído los libros, ya está tardando en hacerlo, porque pocas veces se ve en televisión un producto de tanta calidad como éste. Quien sepa de qué va la historia, puede disfrutar sin problemas de algunos de los tráilers que HBO, el canal que emite ‘Juego de tronos’, está difundiendo desde hace semanas para que los seguidores de la saga nos mordamos las uñas por la espera.

En resumen, la segunda temporada de ‘Juego de tronos’ presenta a 5 reyes en guerra por hacerse con el Trono de Hierro o conservar sus tierras. Mientras las batallas y las intrigas políticas se suceden en el continente de Poniente, los hombres de la Guardia de Noche se adentran en las tierras más allá del Muro para descubrir qué sucesos extraños están ocurriendo allí; y Daenerys Targaryen prosigue su viaje de vuelta a casa acompañada por sus dragones renacidos.

Esta nueva temporada recupera a personajes como la heredera Targaryen, Jon Snow, Tyrion Lannister (que le ha aportado a Peter Dinklage el Emmy y el Globo de Oro al mejor actor de reparto), Cersei y Jamie Lannister, los hermanos Stark, Renly Baratheon… Además, la serie presenta nuevas caras, como, por ejemplo, Stannnis Baratheon (Stephen Dillane), el legítimo heredero del Trono de Hierro para algunos; Davos Seaworth (Liam Cunningham), su fiel caballero; Melisandre (Carice van Houten), una enigmática sacerdotisa; Margaery Tyrell (Natalie Dormer), esposa de Renly; Brienne de Tarth (Gwendoline Christie), una valiente guerrera; o Ygritte (Rose Leslie), una salvaje de más allá del Muro.

Y, ahora, los tráilers.

‘Shadows’

‘Seven devils’

‘The price for our sins’

‘The more you love’: ellas son las protagonistas

‘Power and grace’

Tanto la novela gráfica original de Paco Roca (Arrugas,2008-Premio Nacional de Cómic) como su adaptación homónima al cine bajo la dirección de Ignacio Ferreras (ambos coguionistas), saben transmitir una sensibilidad única hacia la demencia y su entorno, con todo el drama pero también con toda la ilusión de aquéllos que hacen el proceso lo más ameno posible.

Emilio es un banquero jubilado en las primeras fases de la enfermedad de Alzheimer que ingresa en una residencia de ancianos. Su compañero de habitación Miguel -más listo que el hambre- se convertirá en su aliado e intentará ayudarlo, retrasando el momento en el que la evolución de la demencia de Emilio le impida seguir en el piso de los residentes válidos, y pase a otra planta para asistidos. Los dos, al principio reacios a cualquier conexión, comenzarán a compartir sus opiniones acerca de la vejez, la polimedicación y sobre todo, la convivencia en un centro geriátrico: un lugar donde lo único que hacen es “comer y dormir” y, de cuando en cuando, recibir visitas de los familiares.

Alejada de explicaciones científicas o una mera descripción analítica sobre los episodios de desorientación, el film se hace cómplice de los mundos que algunos enfermos están reviviendo, ofreciendo una visión mucho más rica de la demencia, como el Orient Express en el que ‘viaja’ una de las ancianas.

En el año europeo del envejecimiento activo y de la solidaridad intergeneracional, Ferreras -animador en el fabuloso film francés ‘The Ilusionist’ en 2010- nos ofrece un diseño de personajes sin demasiadas arrugas(valga la ironía) para una rápida empatía, y unos escenarios comunes y monótonos para albergar en el espectador la misma sensación que los ancianos tienen de la residencia: aburrimiento y cierto abandono.

Conservando la misma actitud tierna e intimista de la novela gráfica, contemplamos la pérdida paulatina de las capacidades de Emilio: cómo olvida el nombre de los objetos y su correcta utilización o, de vez en cuando, no reconoce el lugar en el que se halla. Los dos amigos tendrán que enfrentarse a ello, pero lo más importante, deberán evolucionar y ayudarse, en ese continuo proceso de aprendizaje y confianzas que es la vida -incluso en el deterioro de facultades.

Si el proyecto cinematográfico pretende ser un acercamiento a las residencias de ancianos, lo consigue con algunas salvedades. Sorprende, en ese aspecto, la visión deprimente y gris que ofrece del centro geriátrico.  Ninguna actividad para los ancianos válidos y la aparición esporádica del médico, que le oculta información a Emilio respecto a su padecimiento. Aunque peque de demagógica, existe en la novela gráfica una charla devastadora entre un Emilo aún lúcido y el médico, en la que éste le explica los pormenores de la enfermedad. El texto original de Roca describe una estructura del centro más humanizada, aunque no se mencione la relación interpersonal con las auxiliares de enfermería, eje de comunicación en la mayoría de las residencias de ancianos -tanto a ellos como al resto de personal sanitario.

Cuántas veces se habla de una muerte digna…pero hay muchos pasos antes de llegar a una situación terminal. La vida digna… Es aquí donde, ‘Arrugas’, quiere que centremos nuestra atención. Y con ello, ha conseguido los premios Goya a la Mejor Película de Animación y al Mejor Guión Adaptado; además de ser preseleccionada para los Oscar en la categoría de Mejor Película de Animación.

Yo, la verdad, me quedo mudo. Y es que no vamos a negar que The Artist es una película magníficamente realizada, pero ¿merece realmente tan cantidad de premios ?

La crítica se ha volcado en halagos hacia esta cinta muda: “ brillante, deliciosa, luminosa, fascinante,…”. Muchos de ellos afirman que dentro de muchos años se la recordará como una de las películas más importantes jamás rodadas, y yo me pregunto: ¿están de coña ?

The Artist no deja de ser un pequeño homenaje al Cine. Un entretenimiento simpático rodado con gusto, eso y poco más. Y es que de verdad no entiendo la desproporcionada cantidad de premios recibidos, con bastantes menos valía para catapultar su carera comercial; digo yo…

Lo más destacado y llamativo de esta película es que es muda ( no del todo cierto, por otra parte ) y parece ser que de repente ha estallado un brote de fiebre retro. Lo mudo mola. Se reclama una vuelta hacía los orígenes, cuando el cine era otra cosa…Señores, estamos en el s.XXI, y ustedes,¿quieren retroceder a un Cine que si era así era por imposición técnica, en vez de explorar nuevas formas de narración o expresión?

Existen cineastas cómo Kim Ki-Duk, Aki Kaurismaki o muchos otros que llevan años desarrollando un cine en el que juegan con recursos del cine mudo integrados en un Cine moderno, experimental y con ansias de desarrollo. Jamás ninguno de estos realizadores ha tenido la repercusión que está teniendo Michel Hazanavicius , a pesar que es su caso si hablamos de un Cine valiente y sobre todo actual no de una pequeña peliculita que pierde su encanto pasados cinco minutos después de su visionado.

Y es que me quedo mudo ante tanto premio, pero oye es lo que tiene, esto no deja de ser una Industria y si nos tienen que meter el producto, nos lo meten. Aunque uno de los protagonistas sea un cargante y pedante perrilllo que hace muchas gracietas.

por victor verrier

Desde el pasado viernes 24 de febrero hasta las 20 h del viernes 18 de mayo de 2012 está abierto el plazo para la presentación de los trabajos del Concurso de Cortometrajes Juvenil ¡No te cortes! Estos se realizarán con la ayuda de una cámara de vídeo, de un móvil y, sobre todo, de mucha imaginación.

Todos los participantes pueden conseguir premios, llevar sus cortos a la gran pantalla y, sobre todo, pasarlo bien a la vez que hacen disfrutar a los demás con sus ideas.

El palmarés se hará público en un acto en el que, además, se hará una proyección de una selección de los cortometrajes entregados, que tendrá lugar el viernes 25 de mayo de 2012, a partir de las 18h 30’.

Inicialmente descrita como una rutina que podría confundirse con la de un hombre que gusta de los encuentros esporádicos, la prostitución y la masturbación; el film va profundizando en los caminos de su compulsión del mismo modo que el metro transporta a Brandon a través de la urbe de NYC, recorriendo los rincones comunes que utiliza para escapar y regresar a su obsesión: los muelles del Hudson o las interminables avenidas por las que hace deporte. La visita inesperada de su hermana Sissy (encarnada por una carismática Carey Mulligan), con la que mantiene una intrigante relación, supone un cambio de rumbo en la trayectoria de su vida, alterando su staus quo, planteándose incluso abandonar su hábito.

Incapaz, no obstante, de entablar relaciones personales -ya sea con una mujer por la que se siente atraído, su hermana o sus compañeros de trabajo- busca los rincones más abyectos de la ciudad, donde el dolor físico que experimenta es tanto más real que el propio orgasmo -solitario y vacío- que consigue con sus parejas sexuales.

Polémicas a parte, los desnudos del film no pecan de pornográfico, estando supeditados siempre al propósito del guión. Envuelta en una ciudada escenografía, la narración avanza sin prisas en escenas delicadamente construídas a base de largas secuencias de primeros planos para despertar la complicidad del espectador, emplazando el objeto que es el propio Brandon, siempre frío y de sonrisa intencionada, en el imaginario de su vida.

Desde que en 1955, Vladimir Nabokov publicara un provocador libro con dicho título, el mito no ha hecho más que crecer y ha sido el Cine ( con permiso por supuesto del Manga japones; allí el LOLICON o Lolita Complex es muchisimo más que un género desde los años 70 ) el que más lo ha extendido y más Lolitas nos ha mostrado con el paso de los años.

Es en la novela dónde ya se nos dan referencias de la que seguramente podríamos llamar la Lolita primigenia. El origen del mito.

El primer amor de Humbert, el protagonista, se llama ANABEL, toma el nombre del famoso poema de Edgar Alan Poe, “ Annabel Lee “, que mucho más tarde, en la década de los 80, los visionarios Radio Futura convertirían en canción: “ Hace muchos, muchos años en un reino junto al mar habitó una señorita cuyo nombre era Annabel Lee…”

Fue Stanley Kubrick en 1962 el primero en llevar la novela del escritor ruso a la gran pantalla y el mismo escritor, el encargado de convertir su novela en un guión, por el que recibió una nominación a los Oscars de ese mismo año.

La Lolita de Kubrick pasaría de tener 12 años en el libro a 14 en la película y la encarnaría Sue Lyon. Y junto a ella estarían James Manson ( Humbert ), Shelley Winters y el siempre magnífico Peter Sellers.

Adrian Lane dirigiría en 1997 la segunda versión de la novela, y en este caso sería Dominique Swain la encargada de llevar a los infiernos al efebofílico Humbert ( interpretado en esta ocasión por Jeremy Irons, el actor con la mejor mirada sucia de la Historia ).

Pero son muchas las películas que se han inspirado en este personaje y han creado otras adolescentes muy seductoras que han hipnotizado a toda una “ legión de Humberts ”.

Hagamos un breve repaso por alguna de esas Lolitas que han aparecido en el Cine de unos años hacia acá:

Ya bien pronto, en 1976, el Sr. Scorsese impondría las bases de todo el Cine que posteriormente se ha hecho con su película “ Taxi Driver “. Y sería el encargado de degradar el personaje, convirtiéndolo en una yonki prostituta callejera, IRIS, magistralmente interpretada por una jovencísima Jodie Foster.

Cómo no podría ser de otra manera Woody Allen en 1979 se encargó de pseudo-intelectualizar esa atracción en la película “ Manhattan “, con una inolvidable Mariel Hemingway de 17 años que mantiene una relacción con un ya cuarentón Woody.

La magia volvería en 1984 cuando Sergio Leone presentó en sociedad a una muñeca de porcelana llamada Jennifer Connelly.

Sería en la película “ Erase una vez en America “. El director italiano nos hizo cómplices de su fascinación, haciendo que todos espiáramos a esa preciosa bailarina y nos enamorásemos de ella, en la que es ya una de las secuencias más hermosas jamás rodadas de la Historia del Cine.

En un nivel simbólico, está claro que el que rompió esa muñeca de porcelana fue Darren Aronofsky, cuando haciendonos cómplices de nuevo, espiamos a la señorita Connelly, mostrandonos esta vez su máxima degradación en aquel catártico final de “ Requiem for a Dream “, ganadora de la espiga de Oro en la SEMINCI del año 2000.

La biografía en imágenes del músico Jerry Lee Lewis dirigida por Jim Mcbride ( ese gran desconocido ), “ Gran Bola de Fuego “ (1989), nos mostraría como este pionero del Rock n´Roll se casó con una lolita de 13 años, interpretada por la malograda y desperdiciada Winona Ryder.

En 1991, de nuevo Martin Scorsese retoma esta figura, esta vez como metáfora de la descomposición de la familia media norteamericana. La encargada sería una juguetona e inocente Jullete Lewis que entraría de lleno en la boca del lobo en “ El Cabo del Miedo “.

Una nueva adaptación literaria semi-autobiográfica en este caso, de la escritora francesa Margarite Duras, llegaría en 1992.

“ El Amante “, dirigida por Jean-Jacques Annaud, nos presentaría una Lolita muchisimo más lujuriosa, que al final, no resultaría ser más que una pobre muchacha huyendo de su entorno familiar y social.

Sería interpretada por una actriz condenada al olvido, Jane March con 18 años recién cumplidos. Poco después protagonizó un patético thriller erótico junto a Bruce Willis, “ El color de la noche “, y poco más se supo de ella.

Un caso curioso sería el de Anna Paquin, descubierta por Jane Campion en 1993 para su película “El Piano”.

Este papel en sí, no sería el de una Lolita, aunque se podría decir que esta actriz llevó ese rol en su vida real durante muchos años.

En al actualidad interpreta a Sookie Stakhouse en la serie de HBO “ True Blood “ del malicioso y genial Allan Ball, algo así como un hada-lolita pasadita de años que trae de cabeza a un par de vampiros enamoradizos. Otra de las genialidades perpetradas por el creador de “ A dos metros bajo tierra “.

Un año después de que Anna Paquin bailara en la playa la hermosa melodía de Michael Nyman ,en 1994; el director francés Luc Besson estrenó una bizarra historia que tenía cómo protagonistas a un asesino a sueldo adicto a la leche y su pequeña y maltratada vecina.

Esa historia de amor entre Leon y MATHILDA en “ Leon, el profesional “ ,supuso el salto a la fama de la que puede haber sido el estereotipo de Lolita más conocida de los últimos tiempos, Natalie Portman.

Dos años despues, volvió a interpretar a una Lolita, en este caso mucho más dulce en “ Beautiful Girls “, en la que seguramente ha sido la Lolita más perfecta y deslumbrante de todas las que hemos podido ver.

Timothy Hutton en plena crisis de la mediana edad, regresaba al hogar y se encontraba con esa nínfula a la que miraba como pocos actores ha mirado nunca a una actriz. Una película maravillosa, sin dudas.

Desde entonces su carrera ha sido imparable ( llegando a conseguir el Oscar por su papel en “ Cisne Negro “ ).

El testigo de “ lolita degradada “ dejado por IRIS en “ Taxi Driver “ es recogido en 1995 cuando Larry Clark estrena la controvertida “ KIDS “, con la Lolita más sucia de todas: Chloe Sevigny.

Ha sido la representación de la lolita más tirada, colgada y underground, y por ende musa del Indie ( ha trabajado con los directores más problemáticos de la industria como pueden ser Vincent Gallo, Lars Von Trier o Werner Herzog ).

La Lolita que encarna Sevigny, ya no es una niña intocable, es una rebelde, es una niña que practica el sexo plenamente e incluso se deja humillar. Y será humillada años después en “ The Brown Bunny “ cuando Vincent Gallo eyacule en su boca en un primerísimo primer plano. Será Vincent Gallo por tanto, quién asesine simbólicamente al mito de lolita, no sin antes haberlo secuestrado.

En 1998 ya dirigió “ Buffalo 66 “, en la que el protagonista interpretado por él mismo, secuestra a LAYLA ( Christina Ricci ) y se la lleva de road movie freki por la América más profunda. ( Chistina Ricci sería algo así como la anti-lolita por excelencia, recordemos que había sido la pequeña Miércoles en “ La Familia Addams “).

Ha habido muchas otras, Kristen Dunst en “ Entrevista con el Vampiro “ ( la Lolita condenada a serlo eternamente ), Brooke Shields en “ Violet “, Mena Suvari en “ American Beauty “ ( en lo que sería la auténtica parodización del mito ) o Ellen Page en “ Hard Candy “ ( la Lolita vengativa ).

Y ahora, a estas alturas de la película, en pleno s.XXI, nos preguntamos: ¿Son necesarias las Lolitas ? ¿Qué son ? ¿Qué representan ?

Cabría preguntarse si son un acto reflejo a la vejez masculina.

El miedo a envejecer ( o incluso a la muerte ) atraería la figura de una joven perfecta, intocable, una nínfula, una joven seductora, que puede llegar a controlar el destino de su admirador, que puede llegar a volverlo loco.

Son el objeto de deseo, el mismo que Thomas Mann describió a la perfección en “ La muerte en Venecia “, son lo bello, lo irremplazable, lo eterno.

Todo esto viene como reflexión ante el descubrimiento de la que es la última Lolita. Ha llegado sin hacer ruido, pero a sus sólo 15 añitos ya va acumulando papeles de importancia. Me refiero a la maravillosa CLHOE MORETZ.

La pudimos ver como una Lolita con peluca morada y muy espabilada, a pesar de ser muy canija, en esa deliciosa locura que era “ Kick-Ass “ ( ya en esa película uno de los personajes se enamoraba locamente de ella y pedía que creciera pronto ).

Más tarde la pudimos ver en el remake americano de “ Dejame Entrar “, dónde pudimos ver como se convertía en una depredadora, un vampiro con forma de niña. Un monstruo, protagonista de una de las mejores secuencias de tensión sexual adolescente vistas en mucho tiempo.

Y por fin es de nuevo Martin Scorsese quien retoma el personaje de Lolita, pero esta vez no para degradarla como hizo en “Taxi Driver “, sino para tratarla con un especial cariño.

Clhoe Moretz es la actriz protagonista de “ La Invención de Hugo “, ese precioso homenaje al Cine, y en concreto a George Meliés que ha dirigido el genio neoyorquino.

Su personaje al igual que la Lolita primigenia, la del poema de Edgar Allan Poe, la bella señorita que inspiró al poeta delirante, es una dulce niña cuyo nombre, en este caso es ISABELLE. Y el maestro Scorsese la ha regalado el papel por la que pronto se la recordará, porque sin duda va a ser una de las grandes.

Pronto la veremos también a las ordenes de Tim Burton en “ Dark Shadows “, así que den la bienvenida a Chloe, porque ha venido para quedarse con nosotros para largo y todo el mundo, háganme caso, se enamorará de ella.

por Víctor Verrier

Os dejamos con las palabras de la propia Lulacruza para que no os lo penséis demasiado y os animéis a venir:
“Esperando el Tsunami sigue a Lulacruza en nuestra búsqueda del néctar musical de Colombia … Viajandos por zonas remotas del pais en busca de las raíces profundas de la música; y en el camino escuchamos a la naturaleza, dialogamos con ella e improvisamos con músicos locales en sus regiones.

Desde el lanzamiento de la película hace 2 semanas, la gente ya ha organizado más de 50 proyecciones en el mundo. Las personas se están reuniendo para verla en lugares como Colombia, Argentina, EE.UU., México, Venezuela, Inglaterra, Rusia, Francia, Portugal, Brasil, Sudáfrica, Marruecos, Indonesia y otros.

Los fondos para este proyecto fueron recaudados a través de Kickstarter y alrededor de 200 personas donaron al proyecto. Ha sido una creación colectiva! y es por eso que queremos compartirla GRATIS para que todos la puedan ver. Pasen la voz!”

Un soldado americano regresa de su cautiverio en Irak reconvertido en terrorista a las órdenes de Al Qaeda. O eso es lo que cree la agente de la CIA Carrie Mathison, aunque carece de pruebas para demostrarlo. Esta sinopsis es uno de los planteamientos más interesantes de la televisión del último año, y ha dado como fruto una de las series revelación de la temporada, ‘Homeland‘. Intriga, pasión, locura, traición… todo cabe en este apasionante thriller ganador de 2 Globos de Oro, uno de ellos al mejor programa de drama, que llegará a España en el mes de abril, en la cadena Fox.

El argumento de ‘Homeland’ arranca en Irak, donde la agente de la CIA Carrie Mathison recibe el chivatazo de que un miembro del ejército de Estados Unidos intentará perpetrar un atentado en suelo norteamericano. El tiempo pasa y nada sucede, Carrie regresa a su país y, unos años más tarde, el sargento Nicholas Brody, a quien se creía muerto, es rescatado milagrosamente de su cautiverio en Irak y regresa a Estados Unidos convertido en héroe. Carrie comienza entonces a sospechar de él, y pone en marcha una investigación que hace peligrar su puesto y su salud mental.

Así arranca una trama repleta de intriga y tensión, que juega continuamente con el espectador, haciéndole creer en determinados momentos que el sargento Brody es un terrorista para, al minuto siguiente, sugerirle que en realidad todo es una invención de Carrie. Esa dualidad, unida a una serie de giros argumentales y muchos cliffhangers, engancha fácilmente, lo que convierte ‘Homeland’ es una de las series más adictivas de los últimos tiempos.

Además, las interpretaciones de sus actores son memorables, remarcando así que ésta es una serie de calidad, y no un producto más de entretenimiento barato. Claire Danes, que da vida a Carrie, borda el personaje de agente de la CIA de extrema inteligencia pero también mucha inestabilidad psicológica. Su angustia y desconfianza se palpan a través de la pantalla, y ciertas escenas demuestran que su Globo de Oro a la mejor actriz es merecidísimo.

Por su parte, Damian Lewis, el villano (o no) de la historia -sargento Nick Brody-, resulta tan misterioso como el plan que supuestamente ha ideado el líder terrorista Abu Nazir y que no logramos comprender hasta el final de la temporada. Asimismo, y a pesar de la desconfianza que transmite, logra empatizar con el espectador, y eso sí es difícil.

Los actores secundarios refuerzan el carácter interpretativo de la serie. Mandy Patinkin, el inolvidable Íñigo Montoya de ‘La princesa prometida’, da vida a unos de sus personajes que parecen pedir a gritos un spin-off, porque cada vez que no está en escena le echamos de menos. Mientras, Morena Baccarin sorprende en su papel de esposa sumisa que debe guardar bajo llave sus sentimientos para sacar adelante a su familia.

En resumen, ‘Homeland’ cuenta una historia compleja y enormemente atractiva, decorada con subtramas esenciales para comprender a los personajes, y que mantiene un ritmo excelente a lo largo de sus 10 capítulos sin que el interés decaiga en ningún momento. En otras palabras, tenéis que verla.

Otro de los homenajeados será al director y guionista valenciano Luis García Berlanga, con la proyección de siete de sus obras, entre ellas clásicos como Bienvenido Mr. Marshall, Calabuch y Plácido, por el que estuvo nominado a un Oscar como mejor película de habla no inglesa.

El tercer gran nombre sobre el que girará este año el Retroback es el estadounidense Buster Keaton, un maestro del cine mudo recordado por cintas como Colegial, El Moderno Sherlock Holmes o Las tres edades. Su película El maquinista de la General pondrá el broche en la clausura del certamen con el acompañamiento de la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla el 27 de febrero.

Todo esto y mucho más dentro del marco de la edición de 2012 del Retroback. Para más información visita su página web.

www.youtube.com/watch?v=3wu-CKj1F2w

Este autor al que me refiero es John LeCarré, y esas novelas de las que les hablo formaban parte de la decoración de mi más tierna infancia. Los recuerdos que guardo de esa época estarían inconclusos sin la imagen de esos libros de amarillentas hojas, blandengues y decoloradas portadas y ese extraño olor a rancio que me acompañaron durante tantas y tantas tardes.

Títulos como “ El espía que surgió del frío”, “ La chica del tambor “, “ La gente de Smiley “, “ La casa Rusia “ o “ El topo “ ornamentaban, los salones de la clase media de la Transición. Entretenían a una orda de ávidos lectores. Y forman parte ya del recuerdo de una época pasada, de los tiempos de la “ Guerra Fría “, cuando el mundo en el que vivíamos era totalmente diferente al actual. En España, aún no existía IKEA pero afortunadamente teníamos “ El circulo de lectores “.

Y se ve, que al igual que IKEA, “ todo lo que mola nos llega de Suecia ” ( ABBA, Roxette, Mando Diao,…Suecia es molón por definición ). Porque es precisamente de allí de dónde viene el director de cine más interesante de los últimos tiempos, el encargado de llevar a la pantalla una de esas novelas de John LeCarré. Me refiero como no, a Tomas Alfredson y la adaptación que ha realizado de “ Tinker, Tailor, Soldier, Spy “, más conocida para todos nosotros como “ El Topo “.

Esta es una de las obras fundamentales de LeCarré, que forma parte de la serie que tiene como protagonista al agente Smiley, compuesta por siete libros y que ya había sido adaptada para la televisión, en concreto para la BBC en el año 1979 con la inolvidable interpretación que hizo de su protagonista el magnífico Alec Guinness .

Era todo un reto para Alfredson, conocido mundialmente por su anterior película “ Dejame Entrar “, superar esta primera adaptación de “ El Topo “. En primer lugar necesitaba un actor que nos hiciera olvidarnos de sir Alec Guinness y afortunadamente lo encontró. Gary Oldman realiza la que seguramente sea la mejor interpretación de su vida, encarnando un triste, concienzudo, perseverante y gris Smiley que no sólo está a la altura sino que supera la interpretación de su predecesor.

Pero conozcamos un poco más a Tomas Alfredson antes de centrarnos en su última película.

Este director, actor, guionista y editor nació en 1965 en un pueblo cercano a Estocolmo, en Suecia. Desgraciadamente sus primeras obras aún no han llegado a España ( y dudo mucho que lleguen ). Muchas de esas obras, son trabajos para la televisión entre los que destacan la serie y posterior película “ Bert, el último virgen “ de 1995, “ Soldiers by Moonlight “ del 2000, o los largometrajes “ Office Hours “ de 2003 y “ Four Shades Of Brown “ de 2004. Esta última en colaboración con el grupo cómico Killingganget de gran éxito. Tuvo gran aceptación en Suecia, dónde llegó a ganar 4 premios Guldbagge ( el equivalente a nuestros Goya ) entre ellos el de mejor director.

La fama mundial le llegaría en 2008 con “ Let The Right One In “ ( “Dejame Entrar “ ). Cosechando premios y buenas críticas allí donde se estrenara. Y es que no estamos hablando de una película cualquiera sino de una de las películas más importantes de los últimos tiempos que redefine el genero de terror.

La sombría historia de amor entre un niño y una niña vampiro durante la era de Olof Palme suponía una nueva manera de entender un genero bastante denostado, como es “el terror “. Y situó a su director en la División de Honor del mundo cinematográfico y a la cabeza del Nuevo Cine Sueco ( Al que el pasado año la Semana Internacional de Cine de Valladolid, SEMINCI, dedicó un ciclo ).

La sobriedad con la que estaba rodada, la elegancia, el logro de una atmósfera que era capaz de trasladarnos a la década de los ochenta. Una bienintencionada frialdad y sobre todo, ese recuerdo al final de la proyección de que no habías visto una película de genero sino algo muchísimo más grande, son algunas de las cualidades de esta maravillosa película.

Una obra tan enorme que hasta su remake americano: “ Let Me In “, de 2010, dirigido por Matt Revees, es digno de ver ( muchos son los aciertos de este remake, uno de ellos sería la elección como protagonista de la que hoy por hoy es la mayor joya en bruto de Hollywood: Chloe Moretz ).

Y así llegamos a 2011, año en el que en el festival de Venecia se estrena la que puede ser una de las películas más importantes sobre espionaje que jamás se hayan realizado. La historia planteada como un puzzle cuenta cómo el poco sonriente agente Smiley trata de destapar a un infiltrado, un traidor dentro del servicio secreto británico.

El cineasta sueco comienza a abrir un juego de “ muñecas rusas “, insertando flasbacks para que nosotros como espectadores activos tomemos parte de ese juego y participemos activamente en averiguar la identidad de ese topo. Pero también nos hace trampas, siempre parece que vamos un paso por detrás. La información de la que disponemos se nos da con cuentagotas ( que aunque muchos han definido el ritmo de la película cómo lento, no es otro que el que esta debe tener, no podría ser así de otra manera )

Esencial es la atmósfera creada ( gracias en parte a la maravillosa fotografía de Hayte van Hoytema y al score creado por el músico español Alberto Iglesias). El film supura una textura de gordo grano que nos remite al cine de los 70, tiene un ligero recuerdo a alguna de las películas del denominado “ free cinema “.

Es una película que huele a rancio, a neftarina, a abrigo viejo, a “old spice”, al humo del tabaco en habitación cerrada, a podredumbre moral, a decadencia

El elenco de interpretes encaja a la perfección, están sincronizados y funcionan prácticamente como un engranaje de maquinaria suiza. Sería de premiar el trabajo de casting. Un repescado, gracias a Dios, John Hurt ( sin duda de actualidad de nuevo este año, recordemos que también participa como secundario en “ Melancholia “ de Lar Von Trier ) interpreta el papel de Control, a los mandos de la cúpula del Circus ( así llamado el centro de operaciones del servicio secreto, nada más que unas sucias y tristes oficinas de funcionarios cabizbajos ).

Pero también aparecen nombres como el premiado Colin Firth como Bill Haydon, Mark Strong que interpreta al meláncolico Jim Prideaux o los también excelentes Toby Jones ( de Percy Alleline ) o Kathy Burke que se pone en la piel de la menospreciada Connie Sachs ( el mundo del Circus es un mundo machista, en determinado momento de la película podemos ver que es ella la primera en notificar la existencia de un topo, aunque su opinión no es muy tenida en cuenta ).

A destacar el papel de uno de los actores del momento en Inglaterra que es Benedith Cumberbatch ( protagonista de la serie de moda de la BBC, Sherlock ) que encarna el personaje de Peter Guillian. Es por voz de este personaje por el que Alfredson nos muestra el que es hasta ahora uno de los temas recurrentes de este director y que pueden llegar a definirlo como un Autor de gran personalidad y obsesiones.

Es este personaje, Peter Guillian (agente que ayuda a Smiley en su investigación ) el que en un momento de la película dice “ No quiero terminar como vosotros “.

Muestra su rechazo hacía el futuro que le espera. Es un personaje fuera de lugar, su condición homosexual hace que aún esté más fuera de lugar en un mundo, que como ya hemos comentado además de machista es extremadamente homófobo ( aunque sea de puertas afuera ).

Es un marginado, un excluido social. Al igual que Oskar el protagonista de “ Dejame entrar “ también lo era ( en este caso por Nerd ). Se ve obligado a sacrificar su vida privada por el bien de su trabajo. Para huir de la exclusión social, para no sentirse solo en este mundo.

Son dos personajes condenados. Ambos serán vampirizados ( ¿ o acaso no son vampiros los espiás de esta película ? ).

Así es como vemos que “ la condena “ , “ el castigo “ , es uno de los temas que hasta ahora repite Alfredson. Pero también apreciamos como esos condenados, son extremadamente solitarios por imposición. El mundo en el que viven les obliga a que estén terriblemente solos. Es “ la soledad “ el segundo de los temas recurrentes.

Y es esa marginación, esa condena y esa soledad la que les hace comportarse como se comportan, actuar como actúan. Es lo que hace que todos los personajes de Tomas Alfredson sean de una tristeza infinita y por tanto uno de los distintivos de marca de este autor. Una constante en su cine.

Una tristeza que en el fondo no es otra que la de todos los seres humanos. Condenados a morir en absoluta soledad.

Lo que hace que que un director de cine pueda ser considerado un auténtico Autor es esa capacidad de traslación de los temas esenciales, eternos a su terreno y lo que convierte por tanto a Tomas Alfredson uno de los más interesantes directores de cine en activo. De él esperamos que en el futuro nos lleguen obras tan descomunales e interesantes como hasta ahora han sido sus dos últimas películas.

Es el cineasta que surgió del frío, no lo pierdan de vista.

por Victor Verrier

Llega a notedetengas la sección cinematográfica más enferma de toda la Red.

“ Si la vida ya no te interesa, si te cuesta distinguir entre lo que es real y lo que es ficción, esta es tu sección “: CINÉPATAS.

Si para tí el Cine es una adicción. Date un atracón en notedetengas.

¿Por qué no aprovechar los días de vacaciones para echar la vista atrás y conciliar la cartelera de cine navideña con alguna que otra joya clásica inspiradora?

Propongo el universal y siempre actual Truffaut en Los cuatrocientos golpes…

Canto al desamparo, siempre vigente. Si la verdadera patria del hombre es su infancia, Truffaut habita la suya en este filme, que aventura a compartir con el espectador del siglo XXI de la misma forma que lo hizo hace cincuenta años, con idéntica complicidad. Cincuenta años no son nada, así que el director le invita a pasearla, ejerce de cicerón a lo largo de intrincadas calles. Le convence para volver con la promesa de que en la próxima ocasión le descubrirá un rincón nuevo o le contará la historia de un edificio cuya existencia había pasado desapercibida la última vez. El espectador acepta la invitación. Sabe que volverá.

La narración de las aventuras cotidianas de Antoine Doinel avanza como un cuento aparentemente inocuo pero que, poco a poco, penetra en la conciencia para quedarse en ella. Lejos de alardes creativos, François Truffaut abre la nueva ola de la cinematografía francesa, la Nouvelle Vague, con esta cinta ya convertida en emblema de una nueva forma de entender el cine. La tendencia crítica de los cineastas que rechazaron la corriente comercial europea de los incipientes años 60 para reivindicar el cine independiente de autor, encuentra acomodo en esta crónica de una infancia maltrecha.

El relato de la peripecias de un Jean-Pierre Léaud de 13 años (en la imagen), intérprete que se convertiría en actor fetiche del director (Besos robados, El amor en fuga), esconde muchas preguntas. Preguntas sobre la eficacia de las instituciones en una sociedad en la que impera el culto a la obediencia a los mayores porque sí, el castigo físico, la imposición de la autoridad sin palabras, la incomunicación en el seno de la familia, la simpleza intelectual, la indiferencia más atroz o la debilidad moral. Pero por encima todo, el transcurso de la historia arroja con precisión las preguntas de un niño que bracea desorientado en un mar de mediocridad.

Doinel cree encontrar respuestas abriendo con dificultad huecos en un ambiente hostil que lo aboca a clamar libertad después de cada tropiezo: la encuentra en Balzac, en su deseo de conocer el mar, en una botella de leche que se bebe con la misma avidez con la que se bebe la vida. Esta libertad es trasunto de la que anhela el propio Truffaut al proclamar en esta película una libertad creadora plasmada en la conexión entre fondo y forma. La estética cercana al neorrealismo italiano se entrelaza con una cuidada técnica. De esta forma, el director lanza toques maestros reveladores; oportunos trávelin, cámara subjetiva para forzar la identificación, variedad de encuadres al servicio de la narración y del lirismo más modesto. Lo sencillo no tiene por qué ser simple, parece sentenciar Truffaut con este trabajo.

En definitiva, 94 minutos de genio condensado y congelado  en esta cinta para que no pierda su esencia pase el tiempo que pase, porque Doinel es Truffaut y Truffaut es cualquiera de nosotros cuando las frustraciones de quienes nos rodean contaminan el aire y solo nos queda correr. Correr y correr hacia el mar. Llegaremos a la playa y cuando nos encontremos a la orilla volveremos la cabeza abrumados, preguntándonos si es el final o el principio de algo que está por llegar.

Dirección: F. Truffaut
Guión: Marcel Moussy y F. Truffaut
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decombie, Georges Flamant y Patrick Auffay
Género: Drama. Francia, 1959
Duración: 94 min

“Entregó su amor de folletín al sinvergüenza Mastroianni. Marcello, Marcello, no me dejes así, lo he dado todo, muero por ti… ” Cantaban los Sidonie en “Sylvia“, una de las canciones más conocidas de su disco Costa Azul.  En diciembre de este año se han cumplido 15 años de la muerte de uno de los más conocidos actores italianos y latin lover del cine de postguerra, con tantas aventuras sentimentales como desengaños amorosos. Pero la condición de icono sexual femenino de Marcello Mastroianni no habrá de mermar su calidad como actor.

Figurante de cine, fue descubierto por Luchino Visconti, para quien trabajaría en teatro durante más de una década, y donde alcanzó la popularidad gracias al clásico teatral “Un tranvía llamado al deseo”.
Su mentor en el cine fue Federico Fellini, con él rodó “La Dolce Vita” y “Ocho y Medio”, los filmes más conocidos tanto del actor como del director  italiano.  Mastroiani participó en más de cien obras de los autores más prestigiosos del momento, como “El extranjero”, adaptación de la novela de Albert Camus del propio Visconti, “Divorcio a la italiana“,  junto a Prieto Germi,   o  “Ayer, hoy y mañana“ de Vittorio de Sica y que protagonizaría junto con su pareja cinematográfica Sophia Loren. Con Roman Polanski rodaría “¿Qué?“, uno de los últimos trabajos, mucho antes rodaría con Louis Malle  “Una Vida Privada”, aquella donde Brigitte Bardot cantaba: “Sidonie a plus d’un amant, c’est une chose bien connue…”

‘The artist‘, de Michel Hazanavicius

De qué va: Hollywood, 1927. George Valentin (Jean Dujardin) es una estrella del cine mudo al que todo le sonríe. Sin embargo, la llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y lo lleva a caer en el olvido. Mientras, la joven extra Peppy Miller (Bérénice Béjo) empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

Quién: El realizador Michel Hazanavicius es el encargado de escribir dirigir este largometraje de homenaje al cine, mudo y en blanco y negro, que está cosechando multitud de premios y se sitúa ya como el favorito al Óscar del año que viene. En su reparto brillan dos actores desconocidos en nuestro país, el galo Jean Dujardin y la argentina Bérénice Bejo. Además, tienen un papel John Goodman, James Cromwell y Penelope Ann Miller.

Razones para verla: por disfrutar de una película que está enamorando a los críticos de medio planeta; por su banda sonora; si, como yo, te has emocionado viendo el tráiler.

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¿A la cuarta va la vencida?

‘Misión: Imposible. Protocolo fantasma‘, de Brad Bird

De qué va: Acusado de atentado terrorista contra el Kremlin, el agente especial Ethan Hunt (Tom Cruise) se ve desautorizado junto con el resto de la organización al iniciarse el ‘Protocolo Fantasma’. Sin recursos ni apoyo, Ethan deberá encontrar el modo de restaurar el honor de su organización al mismo tiempo que tratará de impedir un nuevo ataque.

Quién: Brad Bird, director de las animadas ‘Los increíbles’ o ‘Ratatioulle’, cambida de registro y dirige la cuarta entrega de la saga ‘Misión: Imposible’. Repite, por supuesto, su estrella Tom Cruise, que esta vez se acompaña de Paula Patton, Simon Pegg, Jeremy Renner y Josh Holloway aka Sawyer, entre otros. El guión, por otra parte, lo firman Josh Appelbaum y André Nemec (serie ‘Alias’).

Razones para verla: porque esté recibiendo muy buenas críticas; por ver a Tom Cruise, no a su doble, escalar el edificio más alto del mundo; por Jeremy Renner, auténtico robaescenas, y, para las nostálgicas de ‘Perdidos’, por Josh Holloway.

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Un thriller

‘Perros de paja‘, de Rod Lurie

De qué va: Remake de la película homónima de 1971. David Sumner (James Marsden), escritor, se muda con su mujer (Kate Bosworth) a la ciudad natal de ésta en el sur profundo de los Estados Unidos. Una vez allí, las tensiones de su matrimonio y antiguos conflictos con los lugareños reemergen, llevándolos a una violenta confrontación.

Quién: El israelí Rod Lurie, realizador de thrillers y otros filmes poco conocidos, reescribe y dirige este remake de la película de Sam Peckinpah estrenada en 1971 con Dustin Hoffman como protagonista. Aquí, el héroe de la historia es el poco carismático James Marsden, que se acompaña en el reparto de rostros también conocidos como los de Kate Bosworth, Alexander Skarsgård o el ‘ex Prison break’ Dominic Purcell.

Razones para verla: si te gustan las historias de violencia con víctimas acorraladas; si eres de los que nunca se fían de los vecinos; porque Alexander Skarsgard promete como villano.

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La comedia española

‘Maktub‘, de Paco Arango

De qué va: Manolo (Diego Peretti), se encuentra en plena crisis. La rutina de su trabajo le resulta asfixiante, su matrimonio con Beatriz (Aitana Sánchez-Gijón) está al borde del caos, y con esta situación sus hijos son lo último en lo que pensar. Pero se cruza por azar con Antonio (Andoni Hernández), un chico canario de 15 años, con cáncer pero con unas ganas de vivir y ser feliz muy contagiosas. Ese encuentro hará que su vida cambie por completo.

Quién: Paco Arango, conocido por las poco exitosas series ‘El inquilino’ y ‘Ala…Dina’, se pasa al cine con esta comedia que escribe y dirige y que protagoniza el actor argentino Diego Peretti. Junto a él, actores españoles como Aitana Sánchez-Gijón, Goya Toledo,Amparo Baró, Rosa Maria Sardà y hasta el ‘ex lostie’ Jorge Garcia.

Razones para verla: por ver una película navideña que no esté rodada en Estados Unidos o tenga a Papá Noel como protagonista.

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